La réflexion s’est appuyée sur XY, de l’identité masculine, le livre d’Elisabeth Badinter, qui décortique avec une grande pertinence les raisons de l’affirmation de la masculinité et ses dérives. 15 ans après l’écriture de cet ouvrage, la situation n’a guère changé et la confusion qu’il décrit reste d’actualité, celle «d’un homme mutilé, tiraillé entre des images contradictoires, toujours en train de refouler une part essentielle de lui-même».
Le masculin n’a pas fini de se chercher. Pendant des années, il s’est positionné en opposition: se démarquer absolument de la femme, la mère. S’affirmer contre toute assimilation possible au féminin. «Protester» comme le dit Badinter. Il a ensuite dû protester contre cette même protestation, se défendre de son image machiste.
Aujourd’hui, il crée l’«hominisme» et ses revendications. Badinter doit sourire, elle qui le voulait juste réconcilié.
Le propos du spectacle, s’il s’appuie sur la situation actuelle de la masculinité, se situe hors de tout didactisme ou de toute illustration de ce contexte. Ces données ont servi de base et de nourriture à la recherche, mais c’est sur les effets de cette situation et leurs transcriptions physiques directes que porte le travail.

«Dans ce contexte, avec le groupe de six danseurs, nous nous sommes tournés vers un des derniers bastions du groupe uniquement masculin, où s’exhalent encore des valeurs qu’on va appeler «viriles»: le milieu sportif. Nous en avons tiré quelques éléments que nous avons détournés et confrontés à des mécanismes de masses, tels que les décrit Elias Canetti dans Masse et puissance (voir extrait). Nous avons dès lors inventé quelques parties de jeux qui vont rester réelles et donc improvisées en spectacle. Nous avons inséré des séquences écrites, pour permettre décalages et mises en évidences. L’action très directe et concrète qu’impose le jeu réel a dicté le choix de la gestuelle, qui se veut également très engagée et dépourvue de «décoration». C’est un registre physique qui appelle de fait une réaction quasi physique du spectateur.
Le traitement utilisé dans le duo était en cela également un bon repère: une longue tentative de maîtrise de l’autre qui traduit tout autant celle qu’on essaie d’exercer sur soi, et qui se termine par un irrésistible besoin de fusion. Du jeu, nous avons gardé l’émulation, la fraternité, la proximité physique, la grégarité… mais aussi le besoin de domination, et parfois la régression… De la masse, nous avons gardé sa force d’uniformisation et d’anonymat, son consensus, sa violence potentielle…
Le spectacle passe d’un registre à l’autre, et glisse constamment de références concrètes à des moments au sens beaucoup plus ouvert. Le duo final synthétise tout ce qui s’est joué jusque-là. Le fond de la pièce est un questionnement sur l’identité masculine.»
Philippe Saire